Oswaldo Guayasamín biografi og verk

Oswaldo Guayasamín (1919-1999) er en av de viktigste artistene i Latin-Amerika, hvis arbeid har blitt utstilt i verdens mest fremragende haller. Hans kunst har en dyp indigenistisk følelse med en ideologisk og billedlig holdning karakteristisk for det amerikanske kontinentet: sosialrealisme.

Født i Quito og dannet under de tradisjonelle kanonene av kunst, brøt Guayasamín med disse ordningene for å fange virkeligheten av urfolk i Latin-Amerika som led undertrykkelse og herjinger Köln og miscegenation.

Ekspresjonistisk stil, kreasjoner av denne ecuadorianske artist trakk på den meksikanske muralists i form av ekspressivitet, bruk av farger og kraftoverførings, for å la betrakteren en følelse av den vitale energien av forfatteren og dermed gjøre deres protest kjent.

I tillegg til den indigenistiske essensen, er hans arbeid også preget av å benytte avantgarde tendenser som kubisme og ekspresjonisme, uten å miste realismen om å vise voldsverden som han fordømte.

Han gjorde imponerende utstillinger - over 200 personer - i de viktigste museene i verden, som Frankrike, Spania, det tidligere Sovjetunionen, Tsjekkoslovakia, Polen, Mexico, Chile og Argentina.

Guayasamín har også vært kjent for å bli venn med verdensklasse tegn, som poeten Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, kong Juan Carlos av Spania, Gabriel Garcia Marquez og Caroline av Monaco, blant annet som han portrettert.

I 1991 anerkjente regjeringen i Ecuador kunstnerens kunstige arbeid og sitt bidrag til verdens kunst, så han bestemte seg for å skape Guayasamín-stiftelsen, som maleren donerte hele sin skaperverk og hans kunstsamlinger.

index

• 1 Biografi
  • 1.1 Internationalisering
  • 1.2 Tilstedeværelse i store bygninger
  • 1.3 Hovedgodkjenninger og død
• 2 verk
  • 2.1 Veien til å gråte
  • 2.2 Åndens alder
  • 2.3 av ømhet
• 3 referanser

biografi

Oswaldo Guayasamin ble født i Quito den 6. juli 1919 og var den eldste broren til en familie på ti. Hans far, José Miguel Guayasamin, var en innfødt av Quechua stammen; mens hans mor, som svarte navnet Dolores Calero, var mestizo.

Fra en svært ung alder viste han sin kjærlighet til å male ved å lage tegneserier av sine klassekamerater og ved å lage plakatene i butikken som hans mor løp. I tillegg malte han bilder på stykker papp som han solgte til turister for å betale for hans studier.

Til tross for sterk motstand fra sin far, den unge Guayasamín registrert ved School of Fine Arts i Ecuador, som kom som maler og skulptør uteksaminert i 1941, også mottar anerkjennelse for å være den beste elev i sin klasse.

Bare ett år etter at han klarte å klare seg, klarte han å lage sin første utstilling i den ekvadorske hovedstaden. Denne prøven ble preget av sin karakter av sosial oppsigelse, grunnen til at det forårsaket et stort opprør mellom assisterende og kritikeren av tiden.

Med den spesielle stilen klarte det unge Guayasamin å fange Nelson Rockefeller, som kjøpte ham flere malerier og støttet ham i sin fremtid.

internasjonalisering

Etter den kontroversielle utstillingen og med støtte fra Rockefeller flyttet Guayasamin til USA, hvor han også utstilte sine malerier. I løpet av de 7 månedene av oppholdet besøkte han alle museene han kunne for å komme i direkte kontakt med arbeidet til El Greco, Goya, Velásquez og de meksikanske muralistene Diego Rivera og Orozco.

Med pengene han klarte å gjøre, reiste han til Mexico for å møte en flott lærer, og murmesteren Orozco, som ble berørt av hans talent, fikk ham til å være hans assistent. I dette besøket møtte han også Diego Rivera, og begge lærte teknikken med fresco-maleri. I Mexico ble han venner med Pablo Neruda.

I 1945 gjorde han en viktig reise: fra Mexico til Patagonia. På denne reisen turnerte han hver by og hver by for å ta notater og tegninger av hva hans første serie på 103 malerier ble kalt Huacayñán, som i Quechua betyr "Tårens vei", hvis tema handler om svart, indisk og mestizo.

På denne måten begynte alt sitt arbeid å dreie seg om det urfolksproblemet, på undertrykkelse og vold som urfolkene var ofre for.

Det monumentalte arbeidet Veien til gråt ble gjort takket være støtten som Guayasamín ga Kulturhuset.

Denne serien ble første gang utstilt i Quito i 1952 på Museum of Colonial Art, og i samme år i Washington og Barcelona (Spania), under III Bienal de Arte Latin-Amerika. I denne siste hendelsen ble han tildelt Grand Prize for Painting.

Tilstedeværelse i store bygninger

I tillegg til å ha monumentalutstillinger i verdens største museer, er Guayasamins arbeid også til stede i store bygninger.

For eksempel har en venetiansk glassmosaikkmur vært i Simón Bolívar-senteret i Caracas siden 1954, som kalles Hyllest til den amerikanske mannen.

For sitt hjemland skapte han to imponerende veggmalerier i 1958. Den første er Oppdagelsen av Amazon-elven, også laget i venetiansk mosaikk, som ligger i regjeringspalasset i Quito. Den andre ble utført for Law School of Central University of Ecuador, som mottar navnet på Historie om menneske og kultur.

I 1982 ble en veggmaleri på mer enn 120 meter som Guayasamín malt med marmorstøv og akryl, innviet på Barajas flyplass i Madrid. Dette monumentale arbeidet har to deler: den ene er dedikert til Spania og den andre til Amerika.

Hans arbeid er også tilstede i Unescos hovedkontor i Paris og Sao Paulo. Også dens monumenter pryder Ecuador: Til det unge hjemlandet er i Guayaquil og Til motstanden i Quito.

Hovedinnkjenninger og død

Takket være sitt produktive arbeid, hans karakter av sosial oppsigelse og hans universelle transcendens, mottok Guayasamín utallige priser og anerkjennelser til sin karriere.

Hans arbeid har blitt anerkjent over hele verden som et resultat av som han mottok Best Painter Award i Sør-Amerika i 1957, som ble tildelt Biennalen i Sao Paulo, Brasil. Dette markerte konsolideringen av internasjonaliseringen.

I 1976 opprettet han Guayasamín Foundation sammen med sine barn, for å donere sin kunstneriske arv til Ecuador. Gjennom dette grunnlaget kunne han organisere tre museer: Pre-Columbian Art, Köln Art og Contemporary Art.

Han ble utnevnt til medlem av Det kongelige kunstakademi i San Fernando i Spania og æresmedlem i kunstakademiet. Han ble også kåret til visepresident og deretter president for kulturhuset i Quito i 1973.

I tillegg var han den første latinamerikanske kunstneren som mottok en dekorasjon fra Frankrikes regjering; Dette skjedde i 1974.

Han døde 10. mars 1999 uten å fullføre sitt største arbeid, Manns kapell, som ble oppfattet av kunstneren som en hyllest til menneskeheten, spesielt til det latinamerikanske folk. Det er et kunstmuseum bygget i Quito som tar sikte på å samle latinamerikansk kunst fra Mexico til Patagonia.

Første fase av monumentale arkitektoniske rom ble innviet i 2002. Unesco erklærte det som "prioritet for kultur", og derfor har det mottatt mange bidrag fra andre stater og andre utestående kunstnere i verden.

verker

Produksjonen av Guayasamín er merket fra begynnelsen av sin dype urinistiske ånd, og den er fylt med et høyt innhold av sosial oppsigelse. På denne måten klarte han å krysse grensene for tradisjonelle kanoner og bli en av de mest berømte forsvarerne av latinamerikanske urfolk.

For å utvikle sin personlige stil drakk han av innflytelse fra meksikanske muralister, spesielt hans mester Orozco. Han var også en ivrig høyttaler av ekspresjonisme, som ga hele skapelsen en humanistisk kutt for å reflektere smerten og lidelsen som led av mye av menneskeheten.

Dermed Guayasamín arbeid er en del av den strømmen av ekspresjonisme som teller mest uttrykksfulle virkeligheten uten å håndtere ytre virkelighet, men heller følelser vekket i observatøren.

For dette bekreftet denne maleren at «maleriet mitt skal skade, rive og slå i folks hjerter. Å vise hvilken mann som gjør mot mennesket. " Dette er spesielt tydelig i ansiktene deres vansiret og trist som formidler sterkt smerten av sitt folk.

I denne forstand er hans arbeid sentrert på menneskets figur, med levende farger og sosiale temaer.

Til tross for å tilpasse sitt arbeid til de erfaringer og teknikker som ble forlatt av penselen med store kunstnere av tiden, holdt han alltid uttrykket for menneskelig følelse i lerretet. Det er hele hans opprettelse du kan skille mellom tre alder, som er følgende:

Veien til gråt

Guayasamin Foundation har klart å samle noen av kunstnerens første kreasjoner, som han begynte å male og tegne i en alder av 7 år. Da han gikk i en alder av 12 år på Kunstskolen, imponerte han lærere og klassekamerater med sin virtuositet. På den tiden begynte han å jobbe med det sosiale problemet som senere markerte hele sin karriere.

Det som anses som hans første stadium er det som kalles som sin første serie: Veien til å gråte.

Denne scenen foregår mellom 1945 og 1952 og er for det meste konsentrert om reisen han gjorde med vennene sine i hele Sør-Amerika, hvor han stoppet for å besøke hver by for å gripe sin virkelighet.

Takket være notatene og tegningene han gjorde under reisen, ble han bequeathed verden Huacayñan, eller veien til gråt, hans første serie med 103 malerier der han skildrer problemet med indianere, svarte og mestizoer gjennom universelle arketyper som vises i scener med forfedre symboler, som månen, solen og fjellene.

Med all sin universelle symbolske ladning var denne serien den som ga den et sted i verdenskunst.

Åndens alder

På dette stadiet han utviklet på 60-tallet, Guayasamín viste at det estetiske innholdet er ikke viktig i hans arbeid, men sosialt innhold, budskapet om en mann mot undertrykkelse, vold og lidelse.

Opprinnelsen til denne oppsigelsen går tilbake til da i sin ungdom en barndomsvenn ble drept av undertrykkelsen i Quito. Derfra kunstneren foretok korstog for å skildre vold av mannen mot mannen til å legge igjen en beskjed på opprør og kjempe mot fremmedgjøring.

Dette opprøret er tydelig i øynene til hans figurer, som gråter for en forandring. Hans figurer har en grimas av smerte til tross for stillheten de viser, hendene gråter for håp. Alt dette gjenspeiles med store vertikale slag for å markere mer smerten.

Med dette arbeidet ristet Guayasamín verden ved å markere all menneskets grusomhet i det tjuende århundre. Av denne grunn klarte han å vise seg i de viktigste vestlige byene i verden, noe som førte til røre i både kritikk og samfunn.

Av ømhet

Denne syklusen begynte på åttitallet som en hyllest til sin mor, transcendental figur i hans liv som han erklærte sin kjærlighet og takknemlighet for støtten.

Dette serie markerer en endring i kunstnerens arbeid uten at dette betyr at tallene nå er mer rolig enn før, til en viss grad mistet sitt budskap om fordømmelse og kritikk.

Ømhetens alder, eller Så lenge jeg lever, husker jeg alltid deg, består av 100 arbeider hvis senter er en hyllest til sin mor; Faktisk refererer det generelt til morfiguren, inkludert Moder Jord.

Dette settet betraktes også som en menneskerettighetssang. Det er det siste arbeidet som han okkuperte, fra 1988 til 1999.

For sin unike estetisk stil, men mest for faget sitt sentrert permisjon et budskap om opprør og fordømmer menneskeheten, oppnådde Guayasamín med sin kunst utenfor grensene av sitt eget Ecuador og okkupere en hedersplass i den universelle kunst.

Dette var det fordi etableringen har et særlig uttrykk for tiden han levde, for å formidle et budskap å vekke menneskehetens samvittighet, og klarte å generere gråte av opprør.

referanser

1. "Biografi" i Chapel of Man. Hentet 10. januar 2019 fra kapell av mann: capilladelhombre.com
2. Buitrón, G. "Oswaldo Guayasamín" (august 2008) i "Essays on the image" ved Universitetet i Palermo. Hentet 10. januar 2019 fra Universitetet i Palermo: palermo.edu
3. "Oswaldo Guayasamín, maleren av tårer, sinne og ømhet" i Muy historia. Hentet 10. januar 2019 i Muy historia: muyhistoria.es
4. "Oswaldo Guayasamín" i biografier og liv. Hentet 10. januar 2019 i biografier og liv: biografiasyvidas.com
5. "Oswaldo Guayasamin" i Encyclopedia Britannica Hentet 10. januar 2019 i Encyclopedia Britannica: britannica.com
6. "Oswaldo Guayasamín" i historiebiografi. Hentet 10. januar 2019 i Historia-biografi: historia-biografia.com
7. Sciorra, J. "José Sabogal og identiteten til bladet Amauta" (november 2013) i UNLPs institusjonelle arkiv. Hentet 10. januar 2019 fra UNLPs institusjonelle depot: sedici.unlp.edu.ar